Transient
파이프갤러리는 6월 2일부터 7월 1일까지 김명찬(b.1992)과 양소정(b.1979)의 2인전 《Transient》를 개최한다. ‘일시적인’, ‘잠시 머무는’을 뜻하는 이번 전시 제목은 고정되지 않는 형상과 감각, 그리고 사라져가는 존재의 흔적을 붙잡으려는 두 작가의 공통된 태도에서 출발한다. 그러나 여기서 말하는 ‘붙잡음’은 어떤 대상을 영속적으로 보존하려는 욕망과는 거리가 멀다. 오히려 사라지기 직전의 감각과 형상에 잠시 머물 자리를 내어주고, 생성과 소멸 사이를 스쳐 지나가는 짧은 시간을 응시하려는 태도에 가깝다.
회화는 오랫동안 물감이 굳고 표면이 고정되며 시간을 붙잡아두는 매체로 이해되어 왔다. 이미지는 시간의 흐름에서 분리되어 마치 하나의 고정된 장면처럼 남는 듯 보이기도 한다. 그러나 김명찬과 양소정의 작업에서 회화는 오히려 그 반대 방향으로 움직인다. 이들에게 회화는 무언가를 영구히 소유하거나 고정하는 일이 아니라, 사라짐과 생성 사이의 짧은 시간을 감각하게 하는 잠정적 자리이다. 두 작가의 화면은 느림과 응시, 주저와 포착의 과정을 통해 붙잡히지 않는 형상과 흔적들을 잠시 머물게 하며, 사라져가는 것들의 윤곽을 일시적으로 붙드는 장으로 기능한다.
김명찬은 인간의 신체와 기계적 매체, 물질 사이에서 발생하는 감각과 긴장을 회화적으로 탐구한다. 그의 작업은 인간과 기술, 이미지 사이의 관계를 중심에 두며, 속도와 효율 중심의 현대 사회 속에서 쉽게 사라지기 쉬운 감각과 존재의 흔적을 붙들고자 한다. 작가는 사진 이미지를 기반으로 인간 형상을 재구성하고, 반복적으로 등장하는 인물과 대상들을 단순한 재현이 아닌 감각의 진동과 정서적 잔향을 드러내는 매개체로 전환한다. 낮은 채도의 색면과 미세하게 흔들리는 선, 제한된 도구 안에서 발생하는 우연과 통제의 긴장은 화면 위에 머뭇거리는 시간의 밀도를 형성하며, 철판과 알루미늄, 나무와 같은 산업적 재료는 신체성과 기계성이 충돌하는 물리적 장치로 기능한다. 금속 표면 위에 남겨진 흔적들은 단단히 고정된 이미지라기보다 곧 사라질 감각이 잠시 머무는 상태에 가깝다. 작가에게 회화는 감각이 발생하고 소멸하는 과정을 드러내는 물리적 사건이자, 동시대 이미지 환경 속에서도 여전히 유효한 실재 경험의 가능성을 탐색하는 장으로 작동한다.
특히 이번 전시에서 작가는 표면을 완전히 덮어 이미지를 완성하기보다, 일부를 남겨두고 드러내는 방식에 주목한다. 사포로 표면을 갈아내 알루미늄의 물성을 그대로 노출시키고, 에어브러시의 기계적 분사와 사포질의 물리적 마찰이 교차하는 과정을 화면 안에 함께 포함시킨다. 이를 통해 그의 회화는 하나의 완결된 결과물에 머무르지 않고, 이미지가 생성되는 조건과 감각의 흔적을 드러내는 장으로 확장된다. 갑옷, 황태 머리, 게, 국화와 같은 정물들은 전통적 정물화의 단순한 재현이 아니라, 오늘날의 신체와 감각이 기계적 조건 속에서 어떻게 걸러지고 남겨지는지를 보여주는 대상으로 등장한다.
양소정은 사라지는 과정에 놓인 형상과 그 변환의 순간을 회화의 핵심 탐구 대상으로 삼아왔다. 작가는 자전적 경험과 일상으로부터 수집한 이미지를 바탕으로, 마른 식물과 연기, 얼음, 깨진 물처럼 소멸을 향해 변화하는 사물들의 윤곽에 주목한다. 그의 작업에서 중요한 것은 사물의 고정된 의미나 서사가 아니라, 사라지기 직전의 상태에서 감각적으로 드러나는 형상의 흔적이다. 이러한 형상은 명확한 실체라기보다 생성과 소멸 사이를 떠도는 유동적인 존재로 다루어지며, 작가는 이를 평면 위에 잠시 붙들어두듯 기록한다. 특히 ‘폐곡선’은 평면과 공간, 신체와 이미지 사이를 연결하는 중요한 개념으로 작동한다. 몸을 “가장 큰 폐곡선”으로 바라보는 그의 시각은, 윤곽선을 단순한 외곽이 아닌 존재를 임시적으로 머물게 하는 경계이자 감각의 자리로 확장시킨다.
또한 그는 드로잉 과정을 낚시에 비유하며, 이미지를 포착하고 끌어올리는 행위 자체를 회화적 사건으로 이해한다. 종이 위 이미지를 오려내거나 나무 지지체와 결합하는 방식, 평면과 입체 사이를 오가는 설치적 실험들은 이미지가 공간 속에서 생성되고 이동하는 과정을 드러낸다. 이처럼 그의 작업은 회화를 단순한 재현의 평면에 머물게 하지 않고, 물질과 공간, 이미지와 신체가 서로 관계 맺는 구조로 확장시킨다. 결국 양소정의 회화는 사라져가는 것들에게 잠시 머물 자리를 내어주고, 우리가 잊고 지나치는 형상의 원형과 감각의 흔적을 다시 바라보게 하는 조용하면서도 집요한 실천이라 할 수 있다.
Pipe Gallery is pleased to present 𝘛𝘳𝘢𝘯𝘴𝘪𝘦𝘯𝘵, a two-person exhibition by Myungchan Kim (b.1992) and Sojeong Yang (b.1979), on view from June 2 to July 1. Meaning “temporary” or “briefly lingering,” the exhibition title emerges from the artists’ shared attention to unstable forms, fleeting sensations, and traces of vanishing presence. Yet the act of “holding” proposed here is far removed from any desire for permanent preservation. Rather, it allows transient forms and sensations on the verge of disappearance a provisional place to remain, attending to the brief interval that passes between emergence and dissolution.
Painting has long been understood as a medium that arrests time through the hardening of pigment and the fixation of surface. Images appear detached from temporal flow, remaining as if suspended in a single fixed moment. In the works of Myungchan Kim and Sojeong Yang, however, painting moves in the opposite direction. For both artists, painting is not a means of permanently possessing or stabilizing something, but a provisional site that renders perceptible the fleeting interval between disappearance and formation. Through processes of slowness, sustained attention, hesitation, and capture, their works allow unstable forms and traces to linger momentarily, functioning as spaces that temporarily hold the contours of what is fading away.
Myungchan Kim investigates the sensations and tensions arising between the human body, mechanical media, and materiality through painting. Centering on the relationships among humans, technology, and images, his work seeks to retain traces of sensation and presence that are easily lost within the speed- and efficiency-driven conditions of contemporary society. Drawing from photographic imagery, he reconstructs human figures, transforming repeatedly appearing subjects from mere representations into vehicles that convey sensory vibration and emotional resonance. Low-saturation color fields, subtly wavering lines, and the tension between chance and control generated within limited tools produce a temporal density of hesitation across the surface, while industrial materials such as steel, aluminum, and wood function as physical devices in which corporeality and mechanization collide. The traces left upon metal surfaces resemble not fixed images but fleeting states in which sensation momentarily lingers before disappearing. For the artist, painting operates as a physical event that reveals the processes through which sensation emerges and dissolves, while also exploring the continuing possibility of embodied experience within the contemporary image environment.
In this exhibition in particular, the artist focuses not on fully covering the surface to complete an image, but on partially leaving and exposing it. By sanding the surface to reveal the material properties of aluminum and incorporating both the mechanical spray of the airbrush and the physical friction of sanding into the work itself, his paintings expand beyond finished images into sites that expose the conditions of image production and the traces of sensation. Still-life motifs such as armor, dried pollack heads, crabs, and chrysanthemums appear not as simple representations in the tradition of still-life painting, but as subjects that reveal how contemporary bodies and sensations are filtered and retained under mechanical conditions.
Sojeong Yang has consistently explored forms in the process of disappearance and the moments of their transformation as central concerns of painting. Drawing from autobiographical experiences and images collected from everyday life, she attends to the contours of objects moving toward dissolution, including dried plants, smoke, ice, and broken water. What matters in her work is not the fixed meaning or narrative of an object, but the sensory traces of forms revealed at the threshold of disappearance. These forms are treated less as stable entities than as fluid presences drifting between emergence and extinction, which the artist temporarily records upon the pictorial plane. In particular, the notion of the “closed curve” functions as a key concept linking surface and space, body and image. Her understanding of the body as “the largest closed curve” expands the contour from a mere outline into a boundary that temporarily shelters existence and sensation. Yang further likens the act of drawing to fishing, understanding the process of capturing and pulling forth images as a painterly event in itself. Her installation-based experiments—cutting out images from paper, combining them with wooden supports, and moving between two- and three-dimensional forms—reveal the ways images are generated and displaced within space. In this way, her practice extends painting beyond a flat surface of representation into a relational structure among material, space, image, and body. Ultimately, Sojeong Yang’s paintings may be understood as a quiet yet persistent practice that grants fading things a temporary place to remain, inviting viewers to reconsider the archetypal forms and traces of sensation that often pass unnoticed.